Emprendedoras creativas que debes conocer (Part Three)
Estas mujeres se han abierto paso en sus industrias por su talento y creatividad para cambiar el juego y continúan haciéndolo.
Kelly Wearstler
Antes de que Kelly Wearstler irrumpiera en escena, la profesión del diseño de interiores en los Estados Unidos estaba firmemente centrada en Nueva York. Pero Wearstler cambió el equilibrio del poder del diseño hacia Los Ángeles, introduciendo una estética única y glamorosa en la escena local que jugó con varias referencias del siglo XX, especialmente Hollywood Regency, para crear una apariencia propia.
Fundadora y directora de Kelly Wearstler, es una diseñadora estadounidense que crea ambientes residenciales, hoteleros, comerciales y minoristas experienciales multifacéticos, así como amplias colecciones de diseños de productos de estilo de vida. Con la demostración de conceptos provocativos y narrativas expresivas que caracterizan su extenso cuerpo de trabajo, es reconocida internacionalmente con distinguidos premios de diseño y numerosas publicaciones.
Una experiencia sensorial estimulante de múltiples capas está en el centro del enfoque de diseño de Kelly. A través de una exploración de la materialidad, el color, las formas y una yuxtaposición intuitiva de contemporáneo y vintage, arquitectónico y orgánico, gráfico e instintivo, cura una gran cantidad de experiencias en cada espacio. Wearstler cree que honrar la historia, la ubicación y la arquitectura es imprescindible para ampliar los límites y desafiar las reglas.
Entre los proyectos más notables de Wearstler se encuentran Santa Monica Proper Hotel, Austin Proper Hotel, San Francisco Proper Hotel, Four Seasons Anguilla, BG Restaurant at Bergdorf Goodman, Viceroy Hotels and Residences, Westfield Century City, Tides Miami y residencias personalizadas para clientes de alto perfil. Es una de las fuerzas clave detrás del auge de los hoteles de diseño o boutique de principios de la década de 2000, Kelly diseña para una nueva era de vida hotelera y residencial elevada con una visión distintiva de auténtica inmersión cultural y diseño específico del sitio.
Recibió su formación académica en diseño de interiores, arquitectónico y gráfico y es autora de cinco libros de diseño. Algunos de los galardones incluyen A-List de Elle Décor, AD100 de Architectural Digest, AD France AD100, AD Spain Top International Designer, Wallpaper Magazine Top 20 Designers, Time Magazine The Design 100. Es la primera diseñadora de interiores en impartir una MasterClass y es miembro de la junta de Desert X.
Su estilo maximalista ha influido mucho en cómo pensamos sobre los interiores estadounidenses contemporáneos. Otros proyectos incluyen The Kelly Wearstler Gallery, que celebra la larga historia de colaboración de su estudio con artistas emergentes y de interiores. La galería ofrece la oportunidad de comprar productos personalizados diseñados para clientes privados y su creciente número de proyectos de hospitalidad.
“Mi proceso es siempre el mismo: viene del corazón. Tengo un enfoque de diseño de espíritu libre y cuando se siente bien, está bien”, dijo a AD100 en 2016.
Su marca está impulsada por una profunda pasión por articular una historia única y un punto de vista formidable. Desde el diseño de interiores y la arquitectura hasta la dirección creativa y la identidad de marca, Kelly Wearstler construye una experiencia singular y sincronizada basada en una alquimia de diseño.
Fundó en 1995 su estudio de diseño de interiores, la empresa con sede en Los Ángeles ha evolucionado hasta convertirse en una marca de estilo de vida global interdisciplinaria que lidera la conversación de diseño contemporáneo con destinos experienciales residenciales, de hospitalidad, comerciales y minoristas, además de una cartera expansiva de diseños y marcas de productos para el hogar y colaboraciones. Su equipo consiste en un equipo multidisciplinario de diseñadores y arquitectos dedicados a los más altos niveles de detalle y expresión creativa. Creen que historia y modernidad, imaginación y disciplina, refinamiento y anomalías pueden y deben coexistir. La inspiración se encuentra dentro de la tensión resultante, la integración singular de experiencias. Una polinización cruzada creativa en el estudio informa inherentemente nuestros proyectos de arquitectura e interiores y muebles, iluminación, textiles, decoración del hogar y diseños de productos de todas las escalas.
Conoce su trabajo en https://www.kellywearstler.com/.
Peggy Gou
Peggy Gou, con sede en Berlín, es una DJ y diseñadora de moda de Corea del Sur, que consolidó rápidamente su marca en la industria de la música con una mezcla única de house y sonido ácido, así como un sentido del estilo igualmente único con una línea de ropa respaldada por New Guards Group, Kirin.
Su sonido innovador, que ella denomina K-house, en referencia al K-pop, de su natal Corea, ha jugado un rol determinante en el éxito que también ha tenido dentro de la industria de la moda. Peggy Gou es un ícono de estilo, y lidera una nueva generación de DJs que ya no solo se encasillan en la obscuridad de los clubes nocturnos, sino que más bien celebran y disfrutan el llevar looks inusuales como parte integral de sus performances. Esos que toman referencias de los grandes clásicos musicales que nunca pasan de moda. Con su primera canción que data de 2016, la música y estrella de Instagram ha disfrutado de un rápido ascenso a la fama, obteniendo el apoyo de músicos establecidos como Moodyman, The Black Madonna y DJ Kaze a través de espacios de apoyo que han atraído a una base de fans leales que incluía a Virgil Abloh.
Nació en Seúl y se mudó a Londres a los 14 años para completar su educación secundaria. Al crecer, albergaba ambiciones de convertirse en cantante; pianista de formación clásica, compuso su primera pieza a los ocho años. Unos años más tarde, dejó atrás su pasión y optó por obtener una licenciatura en moda en el London College of Fashion. Mientras estudiaba, reavivó su amor por la música, se dedicó a la producción musical después de comenzar a mezclarse en Corea con su entonces novio y actuar en el club nocturno Cirque Le Soir de Londres a través de conexiones. Con el deseo de convertirse en la DJ coreana más joven y la primera mujer tocando en el club Berghain en Berlín, Peggy se dedicó a la música a tiempo completo, dejando de lado sus estudios de moda.
A fines de 2016, Gou lanzó su primer EP doble, titulado "September War", y tocó su primer set en el club Berghain después de mudarse a Berlín. Ha producido cuatro EPs, tuvo su primera gira estadounidense y una residencia de un mes en BBC Radio 1 en 2017 y se ha presentado en Coachella. En la fiesta Off-White de Dazed en 2017, Peggy se reunió con representantes de New Guards Group, que le ofrecieron su propia marca. Su línea de ropa de calle de alta gama, que combina motivos mitológicos coreanos tradicionales con gráficos de la cultura del club, hizo su debut en la Semana de la Moda de París en 2019. En ese año, también anunció el lanzamiento de su propio sello discográfico y fue incluida en la lista 30 under 30 Asia Entertainment & Sports de Forbes.
Es habitual ver su nombre en los carteles de los festivales, The Fader asegura que «podría ser la dj más amada sobre la faz de la Tierra». Lanzó su propio sello, Gudu, y su objetivo como productora es «lanzar buenos artistas y hacer una buena producción, no sé todavía de qué tipo de música, podría ser de cualquier estilo». Ante la pregunta de si las dj mandan ahora en la electrónica con ejemplos como el suyo, el de The Black Madonna o el de Nina Kraviz respondíó: «Creo que ahora hay un montón de mujeres en lo más alto, y que estamos en el buen camino».
Entre directo y directo, sigue desarrollando su faceta creativa en la moda con su línea de merch Peggy Goods y Kirin (‘jirafa’ en coreano). Para ella, «la moda es quien tú eres, autenticidad e identidad». Reconoce que es un mundo en constante evolución: «Ha cambiado mucho, pero a la vez no cambia tanto, porque siento que siempre está yendo y viniendo».
Más sobre ella en https://peggygou.com/.
Amy Sillman
Amy Sillman es una pintora americana, su lenguaje proviene de su interés de toda la vida por deshacer las nociones históricas del arte de dominio, poder y genialidad, favoreciendo en cambio la duda, el desconocimiento y la intimidad como parte integral de la creación artística. Es mejor conocida por sus pinturas al óleo basadas en procesos que son a la vez abstractas y figurativas, pero a menudo lleva el medio a un territorio no convencional y experimental, que incluye fanzines, instalaciones y animaciones para iPad. Se basa en una amplia gama de referencias, desde la literatura surrealista hasta los memes de Internet y sus pinturas borran las distinciones entre color y línea, figura y fondo, sin dejar de ser sensibles al cuerpo, la emoción y el humor.
Psychology Today (2006), un perfil representado en colores brillantes e inusuales cubiertos con trazos ásperos similares a diagramas, es un ejemplo de la forma en que sus pinturas extraen el humor, empleando dibujos animados, bromas visuales y juegos de palabras, pero también no rehuyen de tema más oscuro. Detrás de los colores brillantes de la pintura, vemos una vista transparente de la agitación interna de la cabeza sin nombre.
“Pintar es un proceso de pensamiento físico para continuar un diálogo interior”, afirma Amy, “una forma de participar en una especie de discurso interno o murmullo sublingüístico…”. Sus lienzos ofrecen vislumbres de un mundo subliminal. Extrañamente íntimas, sus abstracciones negocian un espacio de ideas y sentimientos, influido por una empatía emocional. Sus técnicas pictóricas reflejan la convergencia de pensamientos inconscientes, pinta con una sensación de inmediatez intuitiva, intentando abordar deliberadamente el territorio fragmentado del afecto, la vergüenza y la incomodidad, transmitiendo una sensación de experimentación y descubrimiento dentro de sus gestos pensativos.
Nacida en Detroit, trabajó en una fábrica de conservas en Alaska y en una fábrica de serigrafía feminista en Chicago. Se formó en la Universidad de Nueva York para ser intérprete de japonés para las Naciones Unidas, antes de aterrizar en la Escuela de Artes Visuales de Manhattan, donde se graduó en 1979. Se involucró profundamente en los movimientos feministas y contraculturales del centro de Nueva York, convirtiéndose en miembro de la revista feminista lesbiana Heresies, al mismo tiempo que interactuaba con la floreciente comunidad de artistas de la zona.
En Split 2 (2020), presenta una suerte de retrato del artista en cuarentena, convirtiendo el lenguaje de la abstracción en una exploración personal de la vida y la muerte, de los cuerpos volcando y volcando, durante la pandemia del COVID-19. A menudo escribe sobre el trabajo de otros artistas y encuentra contemporáneos en una cohorte intergeneracional de artistas como Charline von Heyl y R. H. Quaytman, así como pintores más figurativos como Nicole Eisenman y Jutta Koether.
“Me pregunto si, de hecho, la forma se quedó atrás cuando el arte moderno recurrió a sistemas, series, cuadrículas y todo lo calculable en el siglo XX”, reflexiona Sillman en el texto introductorio de The Shape of Shape, su exposición Artist's Choice de 2019 en el MoMA. Mirando a través de la selección de "chiflados" y "harapos" en la colección del Museo, aprovechó su conocimiento enciclopédico de la historia del arte para explorar los aspectos políticos y emocionales de la forma, como una forma de relacionarse con los demás y como un desvío a través de nuestra comprensión del arte moderno.
Descubre más sobre su obra en https://www.amysillman.com/.